Meditação de ficção científica de Darren Aronofsky A fonte merece mais amor

Filme 2025 de Darren Aronofsky Pego roubando é uma espécie de mixtape para o cineasta idiossincrático, uma compilação de fixações de Aronofsky que dobram como um thriller criminal de volta ao básico. Parece algo que ele poderia ter junto nos primeiros dias de sua carreira – como muitas críticas apontaram, o filme é realmente definido durante os primeiros dias, se desenrolando no outono de 1998, alguns meses após o lançamento da estréia de Aronofsky Pi. Como Pego roubandoAssim, Pi Também apresenta judeus e cenas hassídicos ameaçadores perto do Lower East Side de Manhattan.

A partir daí, os espectadores atentos podem encontrar elementos ecoados do Aronofsky’s Requiem para um sonho (questões de dependência; uma viagem a Brighton Beach), O lutador (um atleta desbotado), Cisne preto (Personagem principal persistente, apesar de uma grande lesão abdominal), Mãe! (destinos cruéis que atormentam uma liderança jovem) e A baleia (mais problemas de dependência). Em outras palavras, Pego roubando resume quase todos os seus filmes, exceto A fonte -O drama de ficção científica de 2006 (e notório FLOP) Esse continua sendo um de seus melhores filmes, bem como um vislumbre fascinante em um caminho mais fantástico que ele abandonou.

A fonte Ele próprio foi quase abandonado. Uma versão inicial do filme, estrelada por Brad Pitt e Cate Blanchett, estava chegando à produção com um orçamento de US $ 75 milhões em 2002, quando Pitt deixou abruptamente o projetoaparentemente sobre diferenças criativas. Uma versão de baixo custo estrelada por Hugh Jackman e a então parceira do Aronofsky, Rachel Weisz, acabou atirando três anos depois. A redução do orçamento não ajudou, nem o lançamento da semana de ação de graças. O público preparado para um sucesso de bilheteria de outono simplesmente não estava especialmente interessado em uma história metafísica experimental e de salto no tempo sobre um homem (ou possivelmente três homens, todos interpretados por Jackman), sofrendo com a perda iminente de sua esposa terminal.

Essa é a mais direta das três histórias trançadas A fonte. No fio aparentemente moderno, o Dr. Tommy Creo (Jackman) experimenta uma planta sul-americana que ele espera desafiar a morte humana, correndo contra o relógio enquanto sua esposa Izzi (Weisz) enfraquece devido a um tumor cerebral. Aronofsky Intercuts entre Tommy e duas histórias relacionadas adicionais: em uma, um conquistador do século XVI (também Jackman) procura uma “Árvore da Vida” na América Central a mando da rainha Isabella (também Weisz). Em outro, um homem em um futuro distante (Jackman mais uma vez) pilota uma espaçonave semelhante a uma bolha, carregando uma árvore com propriedades que dão vidas em direção a uma estrela prestes a ir supernova.

Nunca afirmou expressamente como essas duas histórias se interpalham com a principal, mas as ressonâncias entre elas sugerem que a planta Tommy experimenta é a que o conquistador procura, e que a futura árvore é outra iteração dela, plantada no túmulo de Izzi no presente. Também é possível que as histórias passadas e futuras possam ser capítulos do livro que Izzi começou a escrever, e espera que Tommy termine. É difícil discutir com isso; Em termos gerais, não estamos todos capítulos em um livro inacabado?

Para melhor ou para pior, A fonte espelhos essa qualidade inacabada, às vezes sentindo -se comprometida no processo. Existem apenas alguns personagens reais e, estritamente falando, pouco que acontece em qualquer uma das três histórias precisa de mais de 10 ou 15 minutos para transmitir. Essa simplicidade narrativa é uma abordagem estranha para um filme que abrange milhares de anos, mas esse foco implacável A fonte Além de outros épicos históricos, aventuras de ficção científica ou dramas médicos.

É também uma conseqüência do estilo Aronofsky desenvolvido nos antecessores do filme Pi e Requiem para um sonhoonde o enredo é subserviente às imagens, geralmente transmitido com repetição. Esses filmes apresentavam montagens repetidas que transmitiam rotinas obsessivas. Em A fonteos cortes de partidas se conectam visualmente rimando momentos ao longo dos períodos de tempo, como os tiros aéreos de Jackman olhando para o céu ou seus personagens de frente para uma luz amarelada ofuscante. Em outras palavras, estamos olhando para os rituais em uma escala maior do que a obsessão pessoal – embora haja parte disso também, é claro.

Aronofsky ainda usa imagens recorrentes em O lutador e Cisne pretoos filmes que ele fez após a fonte; Ele até combina imagens entre os dois, conscientemente ou não, com repetidas fotos portáteis seguindo os protagonistas atletas-atletas dos filmes em seus respectivos mundos. Ambos os filmes são fantásticos, mas usam essa repetição e combate a tiro de uma maneira que é mais tradicionalmente sincronizada com uma produção reduzida: fotos de mão projetadas para trazer o público ao ponto de vista dos personagens, fundamentando-os na realidade física. Essa fisicalidade acessível pode ter sido uma reversão consciente da ambição de maior etubro de A fonte -Aronofsky tomando uma decisão esclarecida pós-flop de usar orçamentos ainda mais baixos para trabalhar com seu material, em vez de colocar uma abordagem íntima em tensão constante com um escopo tão cosmicamente vasto.

Imagem: Warner Bros.

Mas caramba, a maneira como Aronofsky tenta fundir a grandeza e a pequena A fonte cria uma experiência visual tão vívida e incomum por si só. O orçamento original de Pitt-Vehicle de Aronofsky pedia algumas peças caras (talvez na história do Conquistador?) Que ele finalmente nixou, e o que ele criou é mais memorável do que tantas sequências de efeitos visuais. A seção futura, com um jackman careca voando em seu bubblecraft cósmico, usa visuais muito explodidos de bactérias e produtos químicos para criar um espaço sideral diferente de qualquer outro. Parece completamente estranho a representações mais rigorosamente realistas das viagens espaciais por meio de efeitos especiais, mas a opinião psicodélica da fotografia da natureza empresta uma sensação estranha de pulsação e vida tátil.

A tatilidade se estende aos experimentos de Aronofsky com horror corporal, novamente dados mais arejados nos filmes que se seguiram. Em A fonteo conquistador ingere líquido de uma árvore vital e as plantas brotam de seu estômago com a rapidez da fotografia de lapso de tempo. A mistura desses tipos de truques visuais com o desempenho visceral de Jackman é frequentemente impressionante. (Ou pelo menos estava nos cinemas; A fonte Não foi reeditado desde o seu lançamento original em DVD e Blu-ray em 2009, e este é um filme que clama por um disco 4K de um distribuidor especializado.)

É certo que há algo estranho, ritmicamente falando, sobre um filme que atravessa espaço e tempo, procurando o significado da mortalidade, em cerca de 90 minutos. Por outro lado, apesar de toda a sua auto-orientação, Aronofsky nunca foi um diretor especialmente pesado. Apenas dois de seus nove recursos duram mais de duas horas: Mãe! é apenas um cabelo, enquanto Noé Explando bem essa marca. Esses dois filmes também são os dois projetos de Aronofsky tele fonte A maioria se assemelha, tanto em sua estranheza quanto em seus temas bíblicos – alegóricos no primeiro caso, mais literal neste último. A fonte cai entre os dois. É menos puramente simbólico do que Mãe!mas mais ilusório do que Noé.

Nessa zona entre narrativa e alegoria mitológica, A fonte antecipa os dramas existenciais do início de 2010, como a de Terrence Malick A Árvore da Vida E os Wachowskis ‘ Atlas em nuvemno entanto A fonte é tecnicamente mais fácil de seguir do que esses dois filmes. (Novamente: muito menos pessoas na tela.) Em comparação, a fonte está quase impaciente na maneira como aborda o luto ao lado do desespero e teimosia dos seres humanos que se destacam contra a morte da luz. Jackman incorpora isso perfeitamente, redirecionando seu feroz compromisso com sua forma física (como Wolverine) ou seu show de música e dança (como em seus vários musicais), à tarefa impossível de conquistar, curar ou enfrentar a morte. O personagem de seu contraponto, Izzi, que gradualmente faz as pazes com a morte, permanece mais enigmático, como se Aronofsky não conseguisse a encarar direto dos olhos e chegasse a uma sensação de aceitação que combina com a dela.

Imagem: Warner Bros.

A vacilação entre a unidade cósmica que Aronofsky quer mostrar e o que seu filme pode realmente alcançar também faz A fonte menos pesado do que muitos de seus filmes subsequentes. Não há ambiguidade sobre o nojo, o desespero, a reverência e o lançamento emocional que ele quer que o público sinta enquanto assiste A baleia: É tudo telegrafado de uma maneira que pode parecer hectoring e olhamento. Mesmo com a Fleeter e mais divertida Pego roubandoAronofsky sente a necessidade de espancar o público com alguma violência e tragédia extras. Cisne preto e O lutadorBom como são, não deixe uma grande quantidade de espaço para interpretação também.

Em A fonteno entanto, Aronofsky entende algo mais complicado: uma aceitação da morte como uma fase do ciclo de vida que não podemos realmente entender, por sua natureza. A morte não é a escalada dramática final (ou punição), como em muitos de seus outros filmes. Está pairando sobre os personagens desde o início. A incerteza sobre se as três histórias do filme se conectam literalmente ou apenas refletem os temas da história central, posiciona -o na vantagem da navalha entre a iluminação e o confuso. As redefinições subsequentes de Aronofsky, de O lutador para Pego roubandoparecia insistir que ele se sentia certo de novamente, de que estava de volta à Terra Firma. A fonte levita em um espaço mais arriscado.

A fonte Atualmente, está transmitindo o Kanopy (disponível em muitas bibliotecas públicas) e está disponível para aluguel ou compra na Amazon, Fandango e outras plataformas digitais.